上世紀初，一對西班牙年輕好友創意無限，誓要推倒舊有的藝術風格，闖出一條新的藝術道路。正所謂初生之犢不畏虎，他們完成了一部別樹一格的電影作品，它是一齣無聲電影，戲的第一個場面（割破眼珠）被後世稱為電影史上最暴力的鏡頭，而戲中的奇幻想像到現在依然令人津津樂道。這兩位「頑童」就是達利和布紐爾，前者後來成為享負盛名的超現實主義畫家，後者成為國際知名的藝術電影大導演。這部電影名為《一條安德魯之犬》，但戲中不但沒有一個角色叫安德魯，也沒有一頭犬，有的是男女間的痴愛狂想及扭曲變形的身體意象。
勅使川原三郎於2016年澳門藝術節演出的《迷戀》的創作靈感就是來自這部電影。這支舞是他2009年的作品，首演在法國的Festival Art Rock演出，七年間，他跟他的舞伴佐東利穗子分別到過意大利、瑞士、土耳其、荷蘭及匈牙利等地演出。我認為他和他的作品都像水，能夠流到世界各地，用舞藝呈現人生、滋潤生命。
勅使川原三郎生於1953年的東京，他是舞者、編舞家、劇場導演及演員，他亦是立教大學現代心理學部教授及多摩美術大學美術學部演劇舞踏設計學科教授。作為日本舞蹈界的中堅分子，他獲奬無數。1985年跟宮田佳成立當代舞舞蹈團KARAS，作品有《鏡與音樂》、《天才的時代》及《睡眠-Sleep-》等等。他具有深厚的古典芭蕾舞根基，亦學習過默劇，對美術造型也有獨到的眼光及口味。此外，強烈的電影意象及蒙太奇手法亦滲透其舞蹈作品中。他對電影的「痴」亦成就了《迷戀》這部作品。
除了《迷戀》之外，我亦看過他兩部作品的錄像《鏡與音樂》及為國立巴黎歌劇團（Opéra national de Paris）編舞的《空氣》（Air）。對我來說，勅使川原三郎風格始終如一，東方美學的質感碰上極簡主義的純粹。看他的舞我都在想，他的作品可在細小一點及集中一點的地方演出嗎？但每當勅使川原三郎及他的舞者在空間中舞動的時候，他對空間感的胸襟感動了我。我記得在《鏡與音樂》一舞中，他跟舞者們舞動雙手，雙腿跳躍，就像鳥兒拍動翅膀，在無崖的土地上一起飛躍，在這遍大地上自由起舞，這一個場面令我異常感動。今次看的《迷戀》也有同樣的感覺，勅使川原三郎執著於光與影的晃動，在空的空間中表演一場無疆界的舞蹈，於寬大的舞台上，他跟佐東利穗子忙於展現跳躍和靜止的對比。
看勅使川原三郎的舞蹈我必想起他的前輩摩斯．康寧漢（Merce Cunningham），純粹的動作，只顧當下的身影，沒有隱藏的歷史，有的是用身體呈現的點與綫，有的不是故事而是符號，讓我們作多向的詮釋。我看《迷戀》也是一樣，所以我看得很輕鬆，因為舞愈虛，我愈放鬆，皆因我熱愛想像。這支舞不是有故事來源嗎？其實兩位前衛大師精心打造的《一條安德魯之犬》的魂魄已不再存在，不要以為佐東利穗子會像電影中的女主角坦胸露背，又或者勅使川原三郎會做出色迷迷的表情，跟對手瘋狂地追逐。表面上，《迷戀》看不到性的露骨意象，電影只是一種創作上的刺激物（stimulus），勅使川原三郎無心也無意要將電影改編成舞蹈，他要的只是電影中的某一意念，我認為要表現的是一種求不得的苦的痴人之愛。
《迷戀》分為不同的片段，沒有故事，只有結構，結構就是內容，內容交由觀者詮釋和感受。在虛空的舞台中，兩個舞者的身體呈現多個畫面，他們身體柔軟但卻有勁力，如水，雙手不斷打轉延伸，他們的情感都在雙手及雙腿間投射出來，舞台有時依然像個樂園，他們二人就如阿當及夏娃般自由奔馳。至於道具及裝置的運用，亦構成充滿壓迫力的氛圍。昏黃的燈光所照射的，猶如盤古初開的大地，椅子就如樹木，也是他們二人的障礙，他們從中不停追逐，佐東利穗子穿上一件肉色的貼身舞衣，我認為這是性的象徵之外，亦極具一種原始的感覺，這件舞衣的設計非常重要，它正正點出了性與原始動力的關係。我認為勅使川原三郎非常著重光線及音樂的設計及選擇之外，他對服裝也是很看重的，如《空氣》一舞中，舞者穿的都是薄薄的舞衣，突出了動作的輕柔，亦如空氣般虛空。《迷戀》中的木桌就像是一張床，很精彩的一段角力，二人徘徊在愛與性的苦惱之間。佐東利穗子的獨舞極具可觀性，身體的延伸暢快利落，帶動出爽朗明快的節奏。《迷戀》很好地展現出兩位舞者的默契，而且有時同心如一。
全支舞最精彩的部分就是尾段，吊燈跟舞者的身體一起舞動，神秘氣氛猶如古時的酷刑景象，亦如地獄場景。這個裝置令我想起美國極簡主義音樂家史提夫．萊許（Steve Reich）的音樂實驗作品《鐘擺音樂》（Pendulum Music），萊許用多個咪高峰像鐘擺般在多個擴音器上搖呀搖，產生獨特的聲音。勅使川原三郎也一樣利用光、影及音，展現一個獨特的，夢一般的地獄幻境。
我總覺得勅使川原三郎的舞台是一個隱形的棋盤，舞者身穿黑白展示陰陽對比，就像棋子般在舞台／棋盤上博奕較勁，他的舞台世界映照眾生，在痴迷的狀態中，享受那無明的剎那歡愉。
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