樂心中樂團於二零零八年底成立，其曲目的定位在於非傳統的作品，至今已有三十數場的演出。以往樂心中樂團也有數個只演奏全新創作的音樂會，但對一般觀眾來說，全晚都只聽現代音樂，是極為吃力的事。是次演奏會，創作小組在創作時有著不同的樂曲風格要求，例如：流行曲、探戈、爵士、Bossa Nova、模仿某些電影的主題音樂等，這都是一些較為輕盈且易被觀眾接受的樂種。音樂會揉合了中樂、舞蹈及微電影，在業餘中樂團（泛指不以樂團演出為固定收入的運作模式，並不指音樂訓練的程度） 裡頭，這種多媒體合作可算十分新鮮。
一直以來該團除了新作之外，也有多個以新編樂曲為題的音樂會。在以往的音樂會中，很多配器及樂團法都未見細緻的處理手法，但在這次演奏會中，有了明顯的進步。承襲了以往編曲及創作的經驗，是次創作小組的作曲家更能得心應手。而且是次創作小組在創作前，訂下了一個所有作曲家都要用的動機「m r l」。這個動機透過不同節奏、調性、移調、樂距等的元素去展示出來，大大提升了整場演出中音樂部分的連貫性。縱使十個部分的音樂由五個不同的作曲家譜寫，聽起來也各有各不同的取態及風格，但作為一個整體來說，樂段與樂段之間都能很順暢的連結起來。
開場的音樂《序Overture》（陳雅雯曲）開宗明義的運用了該動機，其開首的重覆及不時移調，好令聽眾把這個元素清晰的記下。這部分配以微電影，當中多以「大遠景」（extreme long shot）及「遠景」（long shot）來拍攝香港鬧巿的日與夜，尤其在維多利亞港眺望港島夜景，盡顯繁華之態。作為定場鏡頭（establishing shot），這是很有力的，也很清楚交代了故事的背景。開首時以冷色調及夜景配襯，再慢慢轉為紅磡隧道口的晨景及路面交通情況。畫面由夜至日的轉變，是一個很好的開幕片段。
接著的《好感》（黎嘉麟曲）的背景電影承接了先前的城巿景，但這次開始拍攝的距離比之前的近，而且畫面引入了行人。筆者認為這點是全套微電影中最細緻及較有深度的安排。由遠而近的拍攝距離，有效地將觀眾慢慢帶進情景之中。這段樂曲以流行曲風為主，音樂上對觀眾來說，也有一種親切感。這段還加入了色士風吹奏，這在中樂演奏中並不常見，而在此之後，單簧管及電子琴也出現於其他樂段，可見樂團的配器上沒有刻板的框架，別具新意。
第三段音樂《邂逅》（霍智康曲）以Bossa Nova 風創作，用上了中樂的配器來演奏，更顯出其中悠然自得的風格。兩位舞者在此首次登場，但實際上舞蹈的成份看來不多（下段續述）。而微電影的故事則講述一位在樓上咖啡店工作的女生，常在收拾店舖時，接收到客人留下來的失物。背景音樂停頓後，故事就講述其後有客人留下了一隻《四月物語》的DVD。後來男主角認領該DVD，從而開始了故事的主線（女店員與男客人之間的聚散）。但男主角演技頗不自然，尤其是唸對白方面極為生硬。在中特寫鏡頭（Medium Close-up）下，顯然見到男主角為了背對白而出現的眼部活動。男主角在大部分時間下，只有在將近完成對白時才把目光放回對手身上。而往後的對白也欠缺感情、表情也毫不自然，這是選角中的一大缺陷。這段拍攝了男女主角在女角工作的咖啡店內認識，女主角為男主角準備了一個藍苺芝士蛋糕（不禁令人想起王家衞的《藍莓之夜》），其後在數個咖啡店場景內重現，似乎是想營造一個動機，但最終也沒有好好運用到。
第四段音樂《來去之間》（陳雅雯曲），由女舞者獨自舞動。音樂部份是爵士風格，配以單簧管、中胡、中阮、大提琴及低音大提琴，這段配器多是中音區的樂器，合奏起來音色很容易就能融合起來。而且配器突然減輕了，令音樂聽起來更為輕鬆，恰似咖啡店中常播的輕音樂般。音樂未起動之前，女舞者首先以手語般的動作向觀眾展示，例如以雙手的手指仿人走路、手按動胸口、以手比劃一道牆及封閉了的門、以手畫出「問號」形狀及指出方向等等。音樂響起後，女舞者有了一些典型的舞蹈動作例如旋動、在地上伸展等。短暫舞動一會後，女舞者再次將音樂奏起前的那套手部動作，再演一次，更配以獨白形式向觀眾解述了整套動作的意思。這點筆者也思考了良久究竟這是「劇場元素」還是「舞蹈」。在第三段音樂時的「舞蹈」，也只是兩位舞者在兩邊側門出場時，拿著手提電話模仿在通話並且相遇。接著是他們背對背依偎，慢慢的坐在地上，然後模仿坐著或躺著通話。這兩段「舞蹈」對筆者而言，極其量是像肢體劇場（Physical Theatre）裡的肢體活動。其後筆者詢問編舞者（鄭穎欣）其概念，她認為任何動作，也可視之為舞蹈。反正要為任何藝術種類去下定義也很難，況且每人也有不同的理解。宏觀的看，視「任何動作」為舞蹈元素也未嘗不可。
舞蹈完結後就回到微電影部分，拍攝男女主角的約會。第三段的Bossa Nova音樂再次響起，音樂上就形成了一個短暫的「ABA」。但這在場刊上並沒有標示。而且在先前旁白初響的那處，有一段新加上的音樂，在場刊上也是欠奉。這少少的失誤原沒大問題，但樂團附上了問卷及一條問題「你最欣賞的表演曲目」，從而令正確地標示樂曲次序更為重要。因為觀眾根本無法得知樂曲實際演奏的流程及進度，這是樂團將來需要顧及的事宜。
第五段音樂《夢圓》（馮迪倫曲）中的揚琴部份，全首都以分解和弦去伴奏。這連綿不斷的十六分音符令音樂有一種不斷向前的感覺。而男女舞者的對奏，就多以旋轉及在地上滾動等動作來表達。但這段舞樂過後，男舞者開始推撞女舞者，顯示關係急轉直下。男舞者原本是穿著一件綠色上衣，在第六段音樂《探戈》（黎嘉麟曲）響起前，他在獨白的時候脫下了上衣，並在指揮手中取了另一件白色上衣。這動作很易令觀眾百思不得其解，會分散他們的注意力，筆者猜想這是因為第六段是探戈風的音樂，舞蹈中也有探戈的元素，於是男舞者換上了一件比較鬆身，活動性較大的上衣，畢竟探戈舞對肢體活動的幅度要求較大。此段音樂基本上是拉弦主奏，吹管作附和，形成了對奏（call-and-response）的配搭。這部份沒有用到彈撥樂器，反而加上電子琴（由敲擊手演奏）作和弦上的伴奏。配器上雖然是中樂樂器，但不失探戈的韻味。而其中一小段中胡的獨奏樂段，自然且富歌唱性的旋律，令人聯想起皮亞佐拉作品中大提琴的運用。
其後微電影對白方面也有累贅之處，在男女關係急轉直下時，女主角曾一度連續說出了四句相同的對白：「我都係想你知道我嘅諗法啫」。在筆者到過的兩場中，席中觀眾也聽得不其然的輕笑起來。而且電影中的劇情轉變太快，也不見有很順暢的轉折位。
緊接男女關係破裂的情節，配上第八段音樂《夢散》（馮迪倫曲），用了女舞者的獨舞，是整晚演出的「高潮」位。此段音樂是所有音樂中最靜謐及速度最慢的一段，而且這是唯一一首沒有運用功能性和弦（functional harmony）的樂曲。音樂是「ABA」的曲式，開首由敲擊營造出孤寂空洞的氛圍，其後低音大提琴提供了空弦的E 音作低音持續部，而全曲也以這E音為中心。中間段主要是管樂的吹奏，由簫、新笛、大笛起音，引入獨奏管子的樂段。以管子作獨奏，突顯悲涼滄桑。女舞者的部分，配以藍色燈光及悲傷的感情表達，緩緩地舞出來。在音樂重現A段及舞蹈接近完成時，舞者站在一張小櫈上，雙手舉起，頭頂上的裝置緩緩的墜下了潔白且無數的羽毛，如雪般飄下，也仿佛是無情淚下，這段舞蹈及音樂是感情上最具張力的部分。
電影最後一幕之前，拍攝女主角在家中致電網絡公司，投訴網絡不通。這突如其來的情節，教人一頭霧水。這段頂多只說了一句（可能）跟失戀有關的對白，她說她知道「（網絡連線）需要時間去復原」，但之後都是普通的電話獨白。加插這一幕實在是多餘的。最後一幕拍攝女主角梳洗，繼而對鏡獨悲，漸漸的抽泣起來。但無論是畫面或實際聲效上，也是毫無張力。「似哭非哭」式的聲效方面極其量是像傷風時把鼻水抽吸回去。這個不完整的結局恰似音樂上在該完的地方，沒有出現結尾式（cadence），根本無法收尾。幸好電影完結後還有最後一首樂曲《回憶錄》（何旻軒曲）搭救。如果電影結尾加上由女主角的特寫鏡頭再慢慢溶接至開首的「遠景」或「大遠景」，雖然聽起來「大路」且無驚喜，但至少能做到首尾呼應，令觀眾的心理上劃上句號。這段的音樂作為全個演奏的總結，也巧妙的運用了「m r l」的動機，貫穿整段音樂。這個樂段無論配器及對樂隊的運用，也有不少「關迺忠」作品的影子，可見作曲者的技術非常熟練及對中樂樂團法有相當大的認識。
總的來說，電影最好的地方是在開首，可從色調、日夜、拍攝對象中看到其心思，但一進入了有故事主線的時候，對白及角色的生硬、情節不順等就現形。而且情節上跳得較快，有很多細節根本沒有交代，劇本的力度顯然不夠。雖然時間上是有所限制，整個演出約一小時三十分鐘，也不是整個時限內有電影的戲份。但這也是對製作人的考驗。而在選角方面，出奇的是電影中的女配角演咖啡店內的員工，反而比其他角色更加入戲，更能表達咖啡店員工的那種氣態。而且演繹自然，對白熟練度方面遠勝男主角。如果拍攝影片時或創作文本時，能出現一些有力的soundbite，這也好作宣傳及令觀眾更易留下印象。現在整個電影部分並無一點令觀眾印象深的金句或對白（除了累贅的那部分）。
另一方面，無論是對白設計或動機的運用都有很大的改善空間。譬如男主角初次介紹自己職業時，說自己是報館記者，但這跟之後的故事完全無關。既然男主角一開首是把一隻DVD遺下在咖啡店，為何不選擇是跟演藝或電影有關的行業？或者是電影發燒友、電影系學生？有很多動機可以再作多些細微的調整，從而令整套電影更有連貫性。
至於樂團方面，音準失準、速度不穩似乎必然是業餘演奏中的常客。尤其是拉弦的高音區，上行至高音區的旋律時多會加上「自動性」漸弱。當然中樂拉弦的高音區必然是較弱的，但一般聽眾都能聽到究竟漸弱是歸究於信心不足及沒有把握、抑或是樂器本身結構性的問題。但整體來說，樂團的音色比以往演出的較為融合。以往敲擊聲部也很多時會過強，是次演奏並沒有這個問題。
由於筆者出席了首尾兩場，也就找機會試一下坐不同位置。首演時筆者坐最前排，所以舞蹈及樂團的部分也能看得清楚。最後一場時，筆者選擇了最後一排的位置（當晚有八排座席）。縱使黑盒劇場內的座席是向上搭建的，有大部分的舞蹈都是被前面觀眾阻擋了而完全看不到，因為舞蹈有大量動作是「席地而舞」的。在表演區內已容納了有廿多人的小型樂團。人數雖不多，但中樂團樂器佔地方比較多，如揚琴、中音笙及大量敲擊。實際上舞者可用的地方很少，整晚的編舞都基本上是「橫向」的。而每當舞者做一些靠近地面的動作時，後排觀眾根本不會看到。這當然可以歸究場地面積的問題，換了是一個更大的舞台，這當然不會出現問題。如果樂團欲與舞蹈再次合作，必須留意這方面的問題。
首場演出時二胡首席出場時，可能燈光太暗，座席中無人鼓掌。但這一場中，出奇的是觀眾差不多在每一段演完後都鼓掌。至於最後一場，可能樂手意識到這點，在二胡首席出場時，樂手以連續的腳踏聲示意觀眾鼓掌。在最後一場中，觀眾則在整個製作演出完成才鼓掌，這兩場鼓掌習慣的不同是蠻有趣的。雖然筆者覺得是場演奏的「拍手位」未必需要像古典音樂的那種硬的嚴謹。但如果演出團體想觀眾不在段落與段落之間鼓掌，的確需要下些功夫，例如將音樂完結後的停頓縮短。
樂心中樂團由創團起，歴年來經歴很多難題，例如團員流失、團址數次因租金漲升而搬遷、入座率不足、收支不衡等等。在眾多壓力因素下，仍致力在中樂團的合奏中尋找新的聲音及方向，願意作多番的嘗試。務求跳出一成不變的演奏方式，為觀眾帶來更多新選擇，這是令筆者一直很敬佩的。在「速食文化」為主流下的香港能堅持至今，實在難得，也讓樂迷能一直看到樂團的成長及進步。本年八月樂心中樂團將協辦「情迷三地聯合總結音樂會」（由香港竹笛學會主辦），屆時將有苗栗縣青少年國樂團及澳門青年中樂團同台獻技。計劃幸獲香港藝術發展局資助，也邀請了資深的中樂作曲家陳能濟、盧亮輝老師及本地作曲家伍卓賢先生為聯合樂團譜寫新曲，期望有更多樂迷一同見證這場音樂盛會。
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