《泰特斯》與鄧樹榮導演猶如畫上等號！已經來到第三個版本的《泰特斯（2012）》，仍然絲毫不減觀眾的熱烈期盼，等待著導演為莎劇帶來新一次衝擊，為文藝復興時代的悲劇重新注入活力。演出貫徹過往別樹一格的鮮明︰著重形體與簡約風格，利用劇場美學凸顯出戲中血腥而殘酷的黑暗復仇，透過演員身體建構極端狀態下的荒謬與暴力。
莎士比亞筆下的《泰特斯》被譽為其史上最殘酷血腥的作品，講述羅馬貴族將軍泰特斯征戰哥德回國後，由被俘虜的女王塔摩拉所誘發起一系列的復仇悲劇事件。前後共十一位角色被殺，泰特斯貞潔的女兒被污辱後再割斷雙手及舌頭，仇人被製成肉餅再送到他們母親口中等。
在《悲劇的誕生》一書中，尼采認為真正的悲劇都用形而上的慰藉來解說我們（人類），所有事物基礎中的生命是不可被摧毀。「真理是羞的。我們有了藝術，依靠它我們就不至毀於真理。」在《泰特斯》一劇中，處處滲透角色之「生命不可被摧毀」︰復仇。選擇以暴易暴的取向主宰著每個角色的發展，成為了他們生存的唯一動力。最大的悲劇莫過於復仇的必然，命運的不可抗衡。
這種源自希臘悲劇的精神來自於兩種藝術上的自然傾向，阿波羅精神（Apollinian）及狄奧尼索斯精神（Dionysian）。日神阿波羅在於美的外在象徵，代表靜默的美，理性觀察思考世界的精神。源自希臘酒神祭的酒神狄奧尼索斯象徵情緒的放縱，一種交織著痛苦與狂喜狀態的非理性造型藝術。
已經過去的《泰特斯2.0》，筆者仍然歷歷在目，原因是其presentational（提示式）的演繹手法，完美地融合兩種藝術精神。於文本上保留復仇命運的無可逆轉外，演員的分割式演出為此劇帶來劇本以外更多思考及聯想。更有趣的是演員通過自我獨白式的演繹，更能為觀眾帶來狄奧尼索斯精神的感受。相反是次版本只保留少量《泰特斯2.0》的元素，增加不少角色對戲的「正劇」表演方式。無疑，此舉有助於文本的表達，令文字的內容自己發聲，令莎士比亞式富音樂感及詩意的對白得到完全釋放。兩種演繹的手法在眾位出色演員手中，仍然處處帶著無限誘人的魅力，可說是各有千秋。觀眾亦應有不同品味的追求，而筆者則認為《泰特斯2.0》版本中的痛苦與狂喜狀態更令人著迷。
今次筆者有幸欣賞的場次為午間演出，香港演藝學院香港賽馬會演藝劇院的天幕全開，日光映照在偌大的彷半圓式羅馬露天劇場中。全程沒有額外多餘的燈光變化，演員的一舉一動都在日光的照射中被無限放大。另外，安排於站立位置的觀眾更加成為了羅馬城的居民，目睹整件悲劇的經過仍然無動於衷。導演此微小的安排讓整個《泰特斯》的故事混入觀劇的觀眾中，整個「空間構成」（Spatial Formation）流露著人性化特質，實為出色的安排。
是次演出雖然談不上莎劇的重大突破等的壯麗形容詞，但當中演員們踏實的演繹仍然不失為一個極為出色的演出。演出最後以不停轉圈的「蘇菲舞」（Whirling Dervishes）作結，猶如一切罪孽皆由此而起，由此而終的宗教式收結，既回應《泰特斯2.0》的演出，又可看作對《泰特斯》文本的回應，的確令人如痴如醉。
（原載於2012年5月《三角志》）
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