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樂樂國樂團今年的力作，是一套兩場以《花影長歌﹒城鄉風情》為名的音樂會。兩場的曲目大部分相同，卻可以說是截然不同。
原來，第一場（9月11日）是樂樂旗下中西合璧的樂隊「香港傳奇室內樂團」之專場，他們奏這些曲子的室樂版本，場地是香港大會堂劇院；第二場（10月9日）是「樂樂國樂團」專場，奏的是宏大的中樂隊版，場地是香港大會堂音樂廳。同一首曲以兩種面貌呈現人前，是趣味所在。
「持續創意」是樂樂國樂團四大宗旨之一。其音樂總監暨創團指揮梁志鏘博士是多產作曲家，早在1985年已有作品奪標。大概由於先後在香港、美國與澳洲接受音樂教育，音樂視野廣，歷史悠久的樂樂在他領導下一直朝氣勃勃，在繼承傳統與持續創意之間保持很好的平衡。《花影長歌 · 城鄉風情》音樂會既有世界首演的，也有40年前的創作（倒沒有所謂經典的老調）。樂團也懂得21世紀20年代的宣傳手法，例如分別邀請是次演出的作品的作曲家，在社交媒體逐一出鏡，現身說法，介紹自家創作。音樂會當中亦加插媒體藝術的元素。
將《花影長歌 · 城鄉風情》名稱分拆來說。《花影長歌》是作曲家張佩珊為著名女高音阮妙芬度身訂造的五樂章全新作品。用櫻花、茶花、玫瑰花、黑牡丹、茉莉花為主題，以如詩的情懷投射在五齣受歡迎的歌劇裡（蝴蝶夫人、卡門、茶花女、杜蘭朵和拉克美），用花隱喻及描繪女主角的性格及命運。作品用中文來演唱，為名聲在外的女高音阮妙芬而寫，當然由她首演。
至於「城鄉風情」是回歸本土，排演幾首香港原創作品而主題又十分接地氣：《維港夜曲》、《舞火龍》、《大埔剪影》與《西貢組曲》等。
由音樂會上演的「老作品」說起吧。新界西貢區有熱心人士於1979年成立了西貢兒童合唱團，著名音樂家葉賜光是合唱團組織者之一。他接觸團員一段日子後，發現小孩們大多來自西貢不同村落。為使他們對自己成長的村落有更深入的認識及歸屬感，葉賜光編寫了一套《西貢組曲》，分為海、陸、空三部分、共10首歌（其後再加了2首），是廣東話唱的兒童歌集，描寫西貢風物與居民生活，人們暱稱西貢區的「區歌」。後來，葉賜光還出書《香港西貢及其鄰近地區歌謠》，附3CD 和1DVD。在樂樂國樂團專場裡，他們聯同拔萃女小學合唱團演出；不過沒有演足本的組曲，而是選段。梁志鏘特邀作曲家重編第三樂章〈海之歌〉童聲二部合唱，以中樂伴奏。作曲家的弟弟葉賜權（前港澳科學館總館長）協助整理改編版的歌詞，及撰寫樂曲介紹。
從前未聽過《西貢組曲》，看資料必提及〈東龍島懷想曲〉；不過〈風帆歌〉可能是首更成功的童歌，由於旋律流麗，使用的音域很適合這個年紀的孩子，唱完之後觀眾興奮鼓掌，也不顧《西貢組曲》是否全部唱畢。〈東龍島懷想曲〉一開始吹起海螺，音樂十分大氣；整首卻有些像那年代的武俠影劇主題曲。
演出美中不足之處是人聲與樂團音量的平衡。直截了當說，就是樂團音量往往蓋過了童聲歌唱（目測那是大概唸小三、小四的女童）。這的確為難：大會堂音樂廳合唱團席（choir stall） 從來是在舞台的後上方，「物理性」一定是合唱團距離觀眾遠些。指揮需要控制吹彈拉打的音量，即是譜子上註明「ff」也要讓小學生的歌聲透出來。著名匈牙利指揮家Fritz Reiner其中一金句是：任何時刻也不能讓廚房「傢生」（說的是敲擊樂器）放野。像〈龍船歌〉，孩子們唱著「咚咑龍咚撑！」，音量跟樂隊的「咚咚撑撑」是不成比例的。即使是沒有敲擊樂，當全樂隊強奏時，也難以聽到小歌手在唱甚麼（歌詞）。
妙的是，觀眾中許多人是小歌手的家長，他們似乎更重視為寶貝女兒拍照。以坐我身邊的穿西裝男士為例，他在《西貢組曲》演出過程中絶少時間是不操作手機的；不是拍照便是檢查剛拍的照片。場務員此時也特別忙碌：太多人拍照了，只能夠干涉拍影片的觀眾！
不得不讚美拔萃女小學合唱團。有一處樂隊與合唱明顯不同步，原因是樂隊有些亂套。女孩們卻依著拍子的momentum繼續唱，沒亂陣脚。
另一首只演一場的是陸尉俊的《舞火龍》。描寫的當然是港島大坑傳統舞火龍驅瘟，音樂有不少段落都有鑼鼓音樂的元素。老實說，聽著音樂我是難以聯想到舞火龍的場面；不過從純音樂來說這首曲子是好玩的，有許多節奏上的對話與附加時值節奏的轉變。
接下來就談四首兩場都演出的作品。
廖啟賢的《心的枷鎖》與黃學揚的《維港夜曲》都是寫給大提琴與樂隊的，都是由葉俊禧擔任大提琴獨奏。據廖啟賢在場刊文案的自述，《心的枷鎖》原寫給女高音和鋼琴，是梁志鏘邀請他進行改編；獨奏大提琴直接代入女高音的角色，音樂從有唱詞變成無言之歌。另一方面，伴奏分別擴充為中西樂器混合的樂隊和大型國樂團，度身訂造首演，自然可以有更大的發揮空間。
由於啟發作曲家動筆的英文詩是講述一名小女生感覺自己的「真我」被各種枷鎖活埋，音樂寫的是被束縛的心無法逃離各種限制引起的無奈、嘆息、嚎哭、吶喊。全是憂鬰的負面情緒。縱使其中一個主題是「渴望」，終究還是無法離開枷鎖的絕望。主題遂較單一，倒是葉俊禧的投入演奏能維繫張力。
《維港夜曲》寫於2000年，由閻惠昌指揮香港中樂團成員作首演，並在2014獲國家級評獎。此曲由頭到尾旋律悠揚悅耳，是「中樂器也可以十分時尚」的極佳詮釋。兩場演出的觀眾都很喜歡此曲。
9月11日是《大埔剪影》與《花影長歌》的世界首演，那麼，10月9日就是它倆的大樂隊版本的世界首演了。這不是第一次聽梁志鏘的作品之前先來一大段散文體裁的讀白（唸白者沒有現身，應該是預先錄了音，透過場館的揚聲器播放），《大埔剪影》也有。這對於觀眾心理上「進入聆賞的狀態」肯定有幫助。今次的作品以大埔客家山歌、哭嫁歌與鑼鼓音樂為素材，第一樂章情緒舒緩，像高空俯瞰要寫的景物，是心靈印記式的。第二樂章寫大埔的鳳園，蝴蝶活潑輕盈的樣子，色彩感不錯。第三樂章富特色，寫客家姑娘「給迎娶」、「哭唱」和「出嫁」三個場面。
第四樂章〈救救沙羅洞〉，作曲家大概是想寫該淡水濕地的風景和當中豐富的生態資源，但效果有點鬆散又膠著；無論是聽室樂版抑或大樂隊版本，都有同樣的感受。而最後的樂章〈古廟．街市〉則是撫今追昔，文武二帝廟及太和街市相對照，用音樂穿越時空回溯歷史，最後歡天喜地、色彩繽紛的結束。
文首已介紹過《花影長歌》，這本質是中國風作品而當中巧妙借用膾炙人口的西洋歌劇旋律片段，既有一定的「熟悉」感，也給觀眾豐富的想像空間。（其中以第二樂章「浪花裙擺」直接用比才《卡門》裡的旋律最多，異國風味最明顯） 假如熟悉本作品指涉的五齣歌劇，看歌詞便知道是直接寫劇中女主角的——蝴蝶夫人與茶花女是第一身而卡門、杜蘭朵及拉克美是第三身——欣賞時的投入感一定比較強；也佩服作曲的張珮珊與詞人黎錦兒之巧思妙想。
分別聽了室內樂伴奏和中樂團伴奏版本，結論出人意表：筆者覺得前者感染力更強。原因，一方面是場地（大會堂音樂廳的內體積比劇院大多倍），另一方面（又）是人聲與樂團的平衡度。聽滿員中樂團時，我是坐得比較接近舞台的；可是人聲的影響（包括了響度、清晰度）倒是九月聽香港傳奇室內樂團伴奏時較大。筆者又想：這新作品本質是橫貫中西的，伴奏的樂器若是中西混合，不是更入型入格嗎？
一部新作品要在短時間內，得到世人的了解，重複演出是不二法門。史上最觸目的事件發生在1904年10月，在馬勒的朋友、指揮家孟格伯的推動下，阿姆斯特丹的音樂廳管弦樂團邀請馬勒指揮了以下節目：馬勒第四交響曲—中場休息—馬勒第四交響曲。
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