 |
《後人類狀況》 © Studio TIO
節目︰《後人類狀況》 »
主辦︰康樂及文化事務署
演出單位︰再構造劇場 »
地點︰香港大會堂劇院
日期︰28-30/10/2022 3pm, 8pm
城市︰香港 »
藝術節︰新視野藝術節 2022 »
藝術類別︰戲劇 »
對談：甄拔濤（甄，《後人類狀況》編劇及導演）、李偉能（李，不加鎖舞踊館藝術總監）
主持：陳國慧（陳）
文字整理：葉㦤雯
甄：
關於R&D（研究與發展），我覺得沒有所謂最理想的模式，只在乎是否能夠按照每個創作度身訂做。以我的經驗舉例兩種模式，先說編劇先行的模式，2014年初到柏林，在博物館看到一件關於近未來的作品，觸發我寫了一場約五分鐘類似Performance-Lecture（表演講授）的戲。2016年我入選「柏林戲劇節劇本市集」，潤飾了那場戲參加展演。時隔五年，AI發展迅速，在德國經理人公司催促下，補看相關書籍，擴充寫成第二部曲《後人類狀況》 的劇本，過程經歷一段長時間，我覺得這樣很好，可以慢慢醖釀再生出新意念。另一種模式則以導演為主，例如我為大館創作體驗劇場《有你，故我在》期間，與設計師來回討論，試驗各項裝置。
相較香港，歐洲各國距離很近，來往容易，合作頻繁，陌生的合作夥伴促成R&D的需要，例如我受慕尼黑雙年展委約創作歌劇《詛咒和拯救》，與瑞典作曲家Malin Bång 合作，我們素不相識，又因疫情未能如期在歐洲見面，於是在線上互相分享作品，傾談多次，才著手創作。
李：
我很同意R&D應為每個創作度身訂做。很多時候R&D的必要性源於拔濤舉例的跨界合作，因為期間必須進入對方的藝術語言，理解其藝術專業和創作經歷，否則很容易出事。外國機構較能理解這不是成品導向 的過程，重視過程的內在價值，視藝術為知識的轉移、分享或生產。對我來說，R&D的關鍵正是在於改變傳統看待過程和結果的思考方式，香港正嘗試接受，但速度緩慢，畢竟本地表演藝術界仍以消費主義主導。在香港一般以為只要提供三個月、一筆錢，便足以支持一個作品的創作，我能理解背後邏輯，但這種R&D模式對於藝術發展並不理想，因為每個創作需要經歷的時間和過程不同。
甄：
我很同意關鍵在於思考方式的不同，德國在資助機制下也需要演出成品，但經常強調討論過程、交流方式。德國人很喜歡討論，不會很快直接討論演出內容，沒有那麼消費導向。如果只有演出，但互動過程沒有產生意義，他們會覺得做得不好，會有這樣的價值判斷。
英、德兩地有很多機會長期演出，不似香港等地大多只在週末演出數場。德國入台時間有兩個多星期，期間有四次帶妝綵排，他們預期第一次綵排總會亂糟糟，然後慢慢在台上修正，不似香港只有一次帶妝綵排，不太容許出錯。一位《Life of Pi》演員分享了演出首週團隊還在摸索，正式演出一星期後，火花便很好了，可見專業劇場團隊的磨合也需要時間。我覺得這些也是R&D。
曾聽說德國導演在首演後不再看演出，因為戲已經交托到演員手中，再看便是質疑演員的表演。但也有些導演在首演後沒有放棄修改作品，例如德國曼海姆國家劇院（曼海姆）駐院導演便經常回去看演出，包括長期演出，反覆修改，讓作品繼續成長。我在曼海姆創作的《宇宙到處的聲音》將於下個劇季繼續長期演出，但須更換要角，所以我會回去再導演，同時藉此修改作品，繼續R&D的過程。
李：
每次表演藝術都是發生於特定場域 ，即使重複演出，每次表演都不相同，作品永遠尚未完成，我會傾向這樣看待現場表演，維持一種生命力和彈性，我獨舞時經常刻意尋找到這些可玩味的東西。
不論是到外地演出、長期演出，還是階段性展演，容許發展空間是重要的，有時重看自己以往的作品不禁疑惑當時的創作決定，當然可以選擇尊重，但也可以選擇在下一個版本修改。這在香港較難實踐，若能到較大的市場有較多機會修改作品實在難得。
陳：
就你們的觀察和實踐，在香港進行R&D這類創作計劃，除了時間、金錢，還需要甚麼資源？是否有些能夠突破現有局限的模式？
甄：
我早前參與Felixism Creation主辦、康樂及文化事務署資助的《想像力研究所》的檢討會議。項目公開徵集提案，提供空間和金錢，讓入選隊伍在牛棚任意探索「表演藝術╳科技」方面的東西，最後做一個展演。那是個好的嘗試，但我會進一步想，資助機構是否可以減少期望預設，不指定呈現成果的形式，例如嘗試探索身體一個月，最後只是分享期間試習的詠春等身體練習，而不是表演。創作者當然覺得可以，而這次看到資助機構其實抱持開放態度，覺得需要改變，很多東西也可以商量，這是好事，雙方可以慢慢磨合。
李：
我覺得呈現成果的形式應視乎提案的原意，如果學習詠春的身體練習是為了個人的藝術發展，而非指向作品，那就能理解成果不以展演形式呈現。但大家現時申請資助習慣以成品導向的心態寫計劃書，擔心著重藝術發展的提案不符資格，若資助計劃能明確放寬準則，大家便更有信心提案。
而不同的藝術形式或方向對於R&D的需求不同，例如有別於傳統編舞由上而下指導舞者表演，當代編作劇場 嘗試扁平化當中的權力結構，融入更多舞者的創作，便必須經歷R&D的過程，了解對方的藝術語言和作品。
回到我們在不加鎖舞踊館的實踐，我們除了提供空間、金錢、駐留計劃，更會從策劃者成為促進者主動進入創作過程，因為我曾體會到R&D 期間持續回饋的重要性。歐洲較多這種模式，正如拔濤說到德國人喜歡討論，內容雖不與作品直接相關，期間卻會展現豐富的脈絡推動創作，這也可讓機構更了解創作意念，更懂得如何宣傳作品。
我們策劃不同平台，不斷檢視和觀眾的關係，嘗試開放空間讓觀眾積極參與創作，扭轉傳統上觀眾只是買票進場消費的被動角色。我們在「公開研習週」舉辦工作坊，鼓勵說不是教學，只是分享創作過程，並需要參與者的回饋和經驗推進創作，提出藝術創作者和觀眾之間一種比較平等的關係，尋找觀眾參與的另一種可能性。
甄：
說到回饋，這使我想起一件事。平常劇場到最後一次台上的帶妝綵排才會請人觀看，但我在德國的演員同事覺得有必要提早展開回饋迴路，於是邀請其他專業演員來綵排室看排練，受邀的人會分享甚麼對我可行、甚麼對我不可行，而不判斷好壞，在香港則經常說好壞。
李：
就我觀察，回饋有時不是在說好壞，而是個人喜惡，重要的是知道意見是從甚麼觀點出發、哪個東西可行、為甚麼可行。看過外國一些促進建設性回饋的嘗試，例如創作者不回答問題，而是提出問題，請觀眾按照觀看經驗回答。這既能幫助觀眾理解其他人的觀點，同時檢視自己的觀察，也可讓創作者發現未曾留意的觀點，從而推進創作。這些參考例子也許重要，但不肯定是否適用於本地情況。
陳：
這讓我想起在香港一般傳統演後談的養分不多，觀眾還是傾向被視為需要餵食的對象，沒有想像他們給予建設性回饋的可能性，所以重要的是能否找到有效的互動形式引發觀眾參與回饋。
本文章並不代表國際演藝評論家協會（香港分會）之立場；歡迎所評的劇團或劇作者回應，回應文章將置放於評論文章後。
本網站內一切內容之版權均屬國際演藝評論家協會（香港分會）及原作者所有，未經本會及/或原作者書面同意，不得轉載。
本網站內一切內容之版權均屬國際演藝評論家協會（香港分會）及原作者所有，未經本會及/或原作者書面同意，不得轉載。