一場世紀疫症，令香港的表演場地被逼關閉，所有節目也要取消，難得場地在七月能夠重開，卻因第三波疫情而再度關閉，直到近月才能有演出。儘管如此，很多表演都因隔離措施而被迫改變內容，當中包括了「進念．二十面體」的《魅》。
《魅》原是由張艾嘉擔任說書人，嚴俊傑作現場鋼琴演奏，但嚴俊傑無法來港，只有張艾嘉能在台上演出，因此任導演及設計的胡恩威決定改用直播串流的方式，讓嚴俊傑在台灣彈奏，於香港實時播放，使二人在兩地「同台」表演。亦因如此，科技應用成為這次演出的重點實驗。事實上，近來胡恩威極力提倡科技，例如進念下一個演出《心經即是巴哈》，就是稱為「胡恩威科技劇場裝置」（《心經即是巴哈》在2009年上演時沒有這個「副題」）。他本人在亞洲週刊多番撰文，批評香港的科技發展落後，看來科技應該會成為進念未來發展的一個主要方向。
在談論是次演出前，先交待作品背景。《魅》可說是「三次創作」，原先是2012年台灣樂評人焦元溥為台灣「國家交響樂團」策劃的焦點講座音樂會《愛聽秋墳鬼唱詩：音樂鬼故事》，當時已有張艾嘉和嚴俊傑，演出曲目包括了台灣首演《蕾諾兒》，到2019年，焦元溥將其改編成結合音樂、文學和多媒體的演出《曖魅》，甚至發行了唱片，而《魅》就是在《曖魅》的基礎進行改動而成。
由於《魅》本由焦元溥策劃的焦點講座音樂會演變過來，所以我對此作的整體感覺就是仍有強烈焦元溥的影子，反而作為導演的胡恩威所加上的戲劇元素並沒有成為作品的重點。近年焦元溥常來港進行音樂講座，用一個主題來串連多首樂曲，這次就是用鬼魅（spirit）做主題，選擇相關的音樂。然而個人認為選擇李斯特的三首佩脫拉克十四行詩（選自《巡禮之年第二年：意大利》）有點牽強，因為三首都是情詩，只不過未能確定詩中人的對象是虛是實，未必是鬼魅，但其它選曲如孟德爾遜〈詼諧曲〉（選自《仲夏夜之夢》戲劇配樂）、拉威爾《夜之加斯巴》，它們的內容就是精靈的故事，完全符合主題。
在嚴俊傑彈奏期間，胡恩威安排了不同的視覺效果，例如鏡頭和顏色改變、投影等，有時加上張艾嘉的朗誦，形成音樂、視覺和說書三件事情同時發生，三者能否取得平衡，甚至互相補足至為關鍵。可惜大部分時候視覺效果頗為花巧，當想專注欣賞音樂或朗誦表演，卻被效果引開注意，無法集中。另一個問題是虛與實的問題，上半場奏樂時的視覺效果可說是虛的，例如用燈光襯托氣氛，但到了下半場，投影卻變「實」，例如聖桑《骷髏之舞》便真的用上骷髏影像，更甚者是《蕾諾兒》中出現的馬匹影子，是由布幕後面一座真實馬匹模型投影出來。這種虛實的不連貫形成美學上的斷裂，叫人看得不舒服。另外舞台上一直放了一棵矮樹，似乎是導演想為表演增添符號，但其意象實在不夠突出，反顯得可有可無似的。
至於直播串流的應用如何？單從畫質來說是可以的，只是鏡頭影著手指彈奏快樂段時，會有「起格」的情況，但無傷大雅。而延緩（delay）的問題也不算明顯，只有嚴俊傑說話時才看得出來。聲質來說便視乎觀眾個別的要求，如果將《魅》當是劇場作品來看，那麼聲質是可接受的，但若視之為音樂演出，那麼便還有可改善的空間。整體來說聲音有點不夠「濕」，彈奏對運音（articulation）要求較高的作品如〈詼諧曲〉時，便略嫌不夠好。嚴俊傑用力彈奏高音時，聲質有點尖，聽起來不太舒服。不過不論聲量有多大，都沒有出現「拆聲」的情況。
讓我感興趣的是，嚴俊傑身處的地方背後掛上了黑幕。一般來說，古典音樂錄音是要錄整體環境聲，追求空間感，掛上黑幕會吸聲，令聲音變乾，也就不好聽了，所以台灣團隊會掛上黑幕，估計是該處空間不大，反而有太多迴音，需要用黑幕吸走。
嚴俊傑的表現不錯，特別是彈奏拉威爾時，表現出如水般的流暢度，而其中〈史加波〉更使用不同的琴觸營造不同變化，使史加波神出鬼沒的形象表現出來。嚴俊傑彈奏由李斯特和霍洛維茲改編的《骷髏之舞》（看到這兩個名字已經覺得很難彈），起初有點覺得他彈得有點吃力，不過後段越彈越起勁，部分觀眾也忍不住為他拍掌，被他的表演折服。
作為唯一在場表演的張艾嘉，可說是撐起整個作品的核心。雖然只是說書，但她的表現足以顯示功架，例如在《蕾諾兒》，她要一人分飾四角，每位角色用上不同的語氣，栩栩如生。另外讓我印象深刻的是《骷髏之舞》，張艾嘉以急促的語氣朗讀詩作，雙手伸展開來，模仿骷髏在跳舞。這個表演本身充滿能量，胡恩威安排她背向觀眾，在譜架上放了攝影機，於螢幕上近距離展示她的演出，誇大了表情和動作，也就使表演能量放大了，令演出更為可觀。
胡恩威為《曖魅》注入科技和舞台元素，將其轉化成《魅》，但大部分新的東西未能提升原作的美學，也未能有助觀眾進一步理解詩作和音樂，最好看的，還是在現場演出的張艾嘉——或者有時候簡單一點才是好的。
本網站內一切內容之版權均屬國際演藝評論家協會（香港分會）及原作者所有，未經本會及/或原作者書面同意，不得轉載。