彭俊傑（Vincent）是資深劇場作曲家，入行超過二十年，在2004和2009年憑著《龍頭》和《卡夫卡的七個箱子》而先後兩次獲得香港舞台劇獎最佳音響設計。彭俊傑多年來在劇界打滾，為不同場景創作各式各樣的音樂，現實中的他在踏上創作路的過程儘管不及舞台般富戲劇性，但卻像有對無形之手將他推上這條路。

彭俊傑憶述自己對音樂的興趣源於初中時期，那時候開始接觸英倫的流行音樂，第一張擁有的唱片是Depeche Mode的專輯，並從老師借來卡式錄音帶或黑膠唱片來聽音樂。雖然當時流行搖滾和民謠音樂，但彭俊傑同時喜歡上電子音樂，算是較為特別的種類：「電子音樂的聲音很新鮮，雖然樂團的聲音也是新鮮，但只局限於那幾件樂器組合的聲音，不及電子音樂般新奇。而且電子音樂的結構很特別，跟傳統音樂的很不一樣，讓我覺得很有趣。」因著對電子音樂的愛好，彭俊傑甚至買了一台電子合成器，成為自己第一件樂器，儘管他不懂彈琴。

由於當時環境所限，彭俊傑真正學習的樂器是結他，正是結他引領他前去香港演藝學院。在演藝學院學習結他期間，碰巧教導彭俊傑的老師正在演藝學院學習作曲，因緣際會，令他接觸到創作：「我考入演藝學院時對創作完全一竅不通，因為那位老師令我認識多了做創作的朋友，讓我對創作的瞭解多了，為我打開了新的一扇門。」自此，彭俊傑開始學習創作。

當時他學習的是傳統音樂創作技巧，這個學習階段使他理解到作品的結構是如何被構思出來，特別是古典音樂在結構上較流行音樂更為多變，而感性就是建基於音樂結構上。此外，他從導師羅永暉身上學習到要將感覺放在音樂上，使音樂成為語言：「我們從零開始創作時，一定先有一些火花或刺激，通常是一種對事物的看法或是自發的情緒，我就是從他身上學到如何在音樂中表達這些看法或情緒。」

後來，彭俊傑遠赴美國波士頓學習作曲，他形容那裡為他開了另一扇門：「那裡有很多外來生，包括德國人、意大利人、韓國人、台灣人等，聽他們的作品能夠感受到音樂的多樣性。亦因如此，讓我聽到很多不同類型的音樂。」浸淫在豐富的音樂環境下，彭俊傑發現音樂的可塑性比自己以往所想的還要高，而且那裡有很多音樂會，音樂彷彿已融入生活中，這點使彭俊傑能感受到很具體的音樂文化。

不過，彭俊傑只在美國待了兩年，然後便回流香港，當時正是1997年。他坦然當時自己未曾多想過關於工作的計劃，但原來劇場的無形之手早找上了他。

由音樂踏入劇場

早於在演藝學院就讀時，校內有一齣舞台劇，主角的設定是懂得彈結他的，可是該演員不諳結他，於是導演陳敢權從音樂學院找來彭俊傑，要他教導主角，順道找他負責配樂，哪怕此前他從沒多看戲劇，自此彭俊傑便與劇場結緣。

當他從美國回到香港後，便跟一些認識的劇場導演聯絡，後來開始跟新域劇團合作。初時為專業的戲劇製作創作，他難免會感到不知所措，需要時間去摸索，特別是去學習劇場的「語言」：「以black out為例，實際只不過是燈光一開一關，但在舞台上可以是時間的轉變。」彭俊傑就是透過自己的觀察，或是跟導演溝通多一些，從不斷的嘗試中學習如何把自己的音樂語言，配合劇場的語言。

過往彭俊傑的創作主要是器樂創作，轉變成劇場音樂創作，所運用的技巧其實是一樣的，唯一的分別是要考慮音樂的用途。「音樂自古以來都有其功能性，好像宗教音樂是用來做崇拜，我的劇場音樂也有它的用途，我稱之為『體用』。當有了這個概念後，便會知道這段音樂放在劇場內會有甚麼作用，換句話來說，我要知道劇場想說甚麼，而音樂可以說甚麼。」

音樂的製作流程

通常一個製作是由導演或製作經理主動接觸彭俊傑，告訴他製作的內容和日期，彭俊傑會先看該製作對他而言有沒有難處：「例如該製作的內容偏向綜合娛樂型，對我來說是有難度的，我會為此跟導演溝通。不過通常他們找我的時候，已經知道我可以做甚麼。」

接下工作後，彭俊傑會跟創作團隊的其他成員一起參與圍讀，讓大家對製作有多一些印象後，再開會商討創作方向。「這個過程是互相影響的，譬如我覺得在某處要加入非洲風格的音樂，其他設計師便要構思如何配合；反過來說，若果佈景設計提議採用簡約風格，我也要思考音樂能如何配合。」

開會定了一些初步的方向後，下一個步驟就是找參考音樂，這可以是由導演找一些音樂來試，或是彭俊傑根據自己的經驗，就對圍讀時的印象和開會定下的方向找音樂。有時劇本寫明需要某首音樂，但該首音樂可能有很多個版本，彭俊傑便需要找不同的版本來試。

下一個步驟就是參與排練。「這個步驟可分為兩個情況，第一是沒有音樂下排戲，導演讓我觀看後思考要加入甚麼的音樂，這個情況好像做電影配樂；另一個情況就是用參考音樂來排戲，然後我便要根據該段戲和參考音樂來創作，或是直接用我創作的音樂來試排，跟導演看效果如何。」而所謂的嘗試不單看音樂配合劇情與否，還要計算時間的變化。「例如播放音樂時，演員在某刻會有動作，我便可能要根據動作改變音樂，所以我要計算好時間，但演員不會每次在相同的時間做動作，因此我要憑經驗去創作。」

有趣的是，雖然彭俊傑是作曲專業，但很多時候都要負責音效，於是順理成章地兼任音響設計，好像過往彭俊傑踏入創作與劇場的情況一樣，一切都是來得十分自然。「各種音效如雨聲本應由聲響設計師負責，但因為很多原因如預算，而將作曲家與音響設計二合為一。音響設計還要負責場地的音響器材，這些較技術向的東西我也是邊做邊學，不會因為這並非我的專業而不去做。」

做了多年的劇場音樂創作，談及最辛苦的計劃，彭俊傑的首選是2017年為《香港三姊妹》出原聲大碟[1]。「碟中共有十二首作品，雖然難度不算高，但花了一年多的時間製作，那種煎熬是最辛苦的。」他表示純粹的劇場音樂跟出版的音樂在功能上不一樣，譬如在劇場運用某段音樂，可以以fade out結束，但在唱片中是否應該一模一樣？另外聽眾可能會重複聆聽出版的音樂，因此製作的嚴謹度自然提高了。而且唱片能夠成為一份紀錄，即使是多年後也有機會被聆聽，成為文化的一部分，因此他覺得是值得為出碟而被煎熬。

雖然已經成為資深的劇場作曲家，彭俊傑坦言不能單靠創作維生，他仍要在演藝學院擔任兼職講師和為其他機構教學，而且找他合作的創作工作數量逐年減少。他認為這是正常的情況：「這行業不斷有新人加入，年輕一代很自然會想找跟自己差不多年歲的人合作。這是劇場的生態，我也很歡迎新血的加入。」

雖然工作機會減少，彭俊傑能豁達地面對：「這視乎你如何看待音樂，如果我只視音樂為維生的工具，我會為面對的情況感到痛苦，但音樂可以用在劇場中，也可以用在其他的用途上，例如在教育上。如果你視音樂為文化的一種，你會對音樂的工作範圍看闊多了。」

照片拍攝：作者及國際演藝評論家協會（香港分會）

作者簡介：香港藝術發展獎藝術新秀獎（藝術評論）得主，香港藝術發展局審批員（音樂）。國際演藝評論家協會（香港分會）專業會員，編有《香港古典音樂年鑑》（2014及2015）。文章散見於《信報》、《立場新聞》、Arts Plus等。本地無伴奏音樂組合Zense A Cappella的成員，亦曾參與多個歌劇的演出。