看《西門說》香港首演時，頗有點終於見其廬山真面目的感覺：由2015年觀察工作坊到去看上年七月的階段展演，然後閱讀法國首演後至香港演出期間的報道，對演出內容與形式有了粗略的概念，但實際演出如何還是未知之數。
結果是，《西門說》是相當悅目易看：毫不深奧的呈現方式，又隱隱然透著文化的差異和對舞蹈成規的探討。法國編舞艾曼紐·‧汀與四位香港舞者李偉能、李嘉雯、黃翠絲和邱展誠，以及藝術統籌、不加鎖舞踊館藝術總監王榮祿經過工作坊及排練後，決定以人人都玩過的「老師話」／「大風吹」（西方稱為「西門說」）的兒時遊戲，再結合八十年代電子遊戲「西門」，搭建了一個輕鬆的演出「框架」——通過一次次的遊戲過程，來呈現規範與自由間的矛盾和闗係。
沒有道具，場內就只有四個舞者（場刊稱為演繹者 [interpreter]）和地上那一大四小的正方格，配以發號施令的場外音、燈光和音樂，就構成了整個製作，簡潔而又達到效果。誠然，在我們的人生中，充斥著規範／規則，社會上的，藝術上的。而遊戲是最能體現這種規範的形式之一，因為遊戲這類型的設計就是由各種各樣的規則所建成。
遊戲是參與者根據指令做動作。每一次指令出現前，四個舞者都站在連在大方格四角的小正方格內，指令發出後，他們便會聚在大方格來執行指令。大小方格都有指定的出入口（以虛線顯示），在位置上，已突顯了這種規限的模式。但規限中，卻難以避免地有著各種的差異，也可視之為每個人可以控制到的自由，因為即使「古典」、「馬戲」、「七情上面」等等的指令一樣，但落到不同人身上，就會有不一樣的處理。最明顯的例子是一開始的「七」，四個人在格內做了七組不同的動作，在其後的「重新開始」、「四拍」、「跳」等不同的指令中，互換位置的舞者，理論上是要重現第一個站在那個位置上的人的動作，但每每做出來的就很不一樣，簡單如——咧嘴笑。而即使同一個舞者，不同的場次，也可以有演繹上的差異。
舞者的動作，看似即興，但其實是一早定了下來。不過，編舞又容許舞者有微調的空間。於是，看了兩場的我會發現舞者在不同場次的動作處理會有不同。這種差異，看一次的觀眾也許不察覺，但我想這「框框內的自由」就令演出維持到一種即興的感覺，也令觀眾覺得他們真的好像玩遊戲，能感受到其歡愉和（出錯後的）不忿。
這些細微的自由其實與後期明顯的反規範可說是一脈相承。遊戲中若有人不慎踏出大方格外時，會立即響起警號聲。犯規者由迅速走回格內，到慢慢地不理這些警告，甚至特意走出格外。這種踰越叫觀眾思考到規條是否一定必須遵守，而某些規條破壞了又是否真的會造成傷害？演出有趣的，就是這展現過程——叫人想到舞蹈，甚或創作的本質（像「古典」中各人跳著的芭蕾舞步），解放身體與形式規範間的界線（「跳」的結合跳與之前出現的動作），以及舞者如何展示其獨特性（邱展誠毫無停頓的自我剖白與李偉能的食譜自述）。
演出以廣東話為主，但也有英語及法文歌的出現，展現了這個組合的跨文化成份，其實跨文化的嘗試就是希望走出自己文化的框框。《西門說》可貴之處是它不是要說大道理，也不是著力展示跨文化的「身份」，而是透過這個遊戲形式，鋪陳文化的背景，也打破了當代舞蹈深奧難明的標籤。而且，也令人看到演出有不斷發展的可能。
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